Суми-э

Содержание статьи

Изотерапия как метод психологической коррекции – одно из самых популярных направлений арт-терапии. Ее суть – использование изобразительного искусства в педагогических и терапевтических целях. Обычно это рисование, но программа изотерапии может включать применение техник лепки из пластилина, глины, занятия по декору и фотосъемке.

Показания к проведению:

• тревожность, стрессы, депрессия;
• эмоциональная скованность;
• плохое настроение, эмоциональная неустойчивость;
• ощущение одиночества, заброшенности;
• конфликты со сверстниками, родителями, братьями и сестрами;
• ревность к новорожденному в семье;
• трудные жизненные ситуации – развод родителей, смерть близкого человека;
• импульсивность;
• страхи, фобии, панические состояния;
• проблемы в семье, недостаток внимания со стороны родителей;
• пониженная самооценка;
• отрицательная «я-концепция».

Про технику рисования

— В чем особенность техники рисования суми-э?

Этим видом рисования могут заниматься все желающие, он не требует особой художественной базы. Человек может прийти с нуля и достичь хороших результатов, потому что в основе лежат всего четыре мазка, основные движения кистью: «бамбук», «орхидея», «хризантема» и «слива». Почему такие названия? Потому что эти растения очень почитаемы на Востоке, изучение техники суми-э начинается с рисования этих четырех растений. Это четыре базовых штриха. Существует также дополнительный штрих «пресс-мазок», при котором кисть в вертикальном положении по всей длине ее щетинок прижимается к листу бумаги.

Когда рисуете «бамбук» – острый на конце и округлый в точке роста – вы учитесь рисовать резкие, отрывистые штрихи.

Когда рисуете мазок «орхидея», вы изучаете плавное, струящееся, скользящее движение. Оно очень спокойное и женственное. Этот мазок напоминает ленту, которая развивается в воздухе, расширяясь и сужаясь.

Мазок «хризантема» напоминает по форме запятые, рисуя этот цветок, вы учитесь накладывать мазки друг на друга.

Мазок «слива» напоминает небольшую капельку – точку.

Важное правило: кисть нужно держать строго вертикально и за верхнюю треть черенка, чтобы она могла парить! Конечно, позже добавляется множество дополнительных штрихов, и из них складывается итоговое изображение. Все мазки нужно довести до автоматизма, только после этого вы научитесь легко и свободно рисовать

Этот этап нельзя перескочить. Нужны многократные тренировки, повторения этих движений. Хорошо для этого использовать специальные коврики для каллиграфии. На них рисуют водой, при этом в течение некоторого времени мазок остается видимым до тех пор, пока вода не испарится. И можно тренироваться рисовать заново.

— Какими еще материалами пользуются художники суми-э, воплощая свое искусство в осязаемый образ?

Тушь, вода, кисточка, бумага – вот четыре драгоценности стола «ученого». Так их раньше называли, так как изначально этот вид рисования был присущ только аристократам. Очень трепетно относились к материалам. Лист бумаги, к примеру, называли «зал очищения души». Прежде чем вы достигните мастерства, нужно пройти через «лес кистей». Только исписав много кистей, изведя много бумаги, к вам придет понимание инструмента. Можно работать на рисовой, акварельной бумаге, какая больше нравится.

Мастер-класс по японской живописи суми-э: гортензия: nihon81

Суми-э 墨絵 — это буквально «тушь» и «картина». У нас было сочетание туши и минеральных красок.1. Для занятия подготовлены: воды, несколько блюдечек (для туши и краски отдально), кисти, подстилка для бумаги.

Из описания группы:

Суми-э — одновременно техника живописи, ощущение и философия. Всё это представляет собой целостный аккорд, не существующий по отдельности. Это лёгкий ветер и аромат цветка.Это энергия и дисциплина.

На занятиях вы знакомитесь с техникой и философией японской живописи суми-э. Прикоснетесь к удивительному миру монохромной живописи, сможете создать свои рисунки и получить удовольствие от процесса.

Один из эффектов, который достигает художник при рисовании суми-э — это состояние расслабленной сосредоточенности. Происходит очищение души, обогащение радостью, улучшение здоровья и состояния, гармонизируется ритм жизни.

2. Сначала Юлия говорит о теме занятия, показывает рисунки гортензии на планшете, затем раздает нам распечатки. Она пользуется таким японским пособием, которое называется «рисование цветов»:

3. Заглядываю внутрь, допустим, как рисовать сакуру:

4. Это распечатки. Гортензия по-японски «адзисаи» (紫陽花).

5.

6.

7. Выбрали одну из композиций, и Юлия показывает, как рисовать лепестки. Кисть сначала увлажняем, затем окунаем в голубую краску, а на кончик берём фиолетовую, таким образом цветок получается с фиолетовой серединкой.Сначала я тренировалась на обычной бумаге, за тем на рисовой. При работе с рисовой бумаге надо ещё пристальнее следить за промоканием кисти, потому что по такой бумаге мгновенно расползаются пятна от влаги. Рядом лежат салфетки, чтобы убирать лишнюю воду.

8. Как раз момент рисования лепестков.

Во время занятия негромко играет приятная японская или китайская музыка, дополнительно создавая подходящую творческую атмосферу.

9.

10. Теперь учимся рисовать листья. Юлия дополнительно подходит к каждому и показывает на его листочке, если нужно. Мне, конечно, требуются пояснения, я ведь в первый раз пришла.))Для листьев, кроме зелёной краски, на кончик кисти берём тушь, в итоге зелёный и чёрный перемешиваются, и получается более выпуклый рисунок. Когда краска высохнет, можно нарисовать прожилки. В самом конце рисуются стебель и серединки цветов.

11. Что получилось у Юлии:

12. У других учениц (это всё на рисовой бумаге):

13.

Занятие проходило с 12 до 15 часов, в перерыве пили чай. За это время у меня получилось два конечных рисунка, один черновой и пара отдельных для цветов и листьев.

14.

15.

Юлия рассказала, что у них было специальное занятие по проклейке: если вы хотите повесить свой рисунок на стену, сначала его нужно приклеить на другой лист рисовой бумаги и вставить в рамку. В процессе проклейки рисунок разглаживается и в итоге выглядит более презентабельно.

16. Использовались такие минеральные краски:

Если рисунок будут проклеивать, то требуются именно масляные, обычные могут потечь.

17. Тушь.

18. Пара фотографий из этого зала.

19.

Мастер-класс понравился, удивило, что с первого занятия получилось что-то симпатичное. Но, конечно, чтобы были более впечатляющие результаты, надо заниматься. Удобно, что можно спросить совет, показывают, как держать кисть, как лучше брать краску, на видео из сети это не так удобно смотреть.

20. Далее показываю работы Юлии, чтобы вы оценили её мастерство:

21.

22.

23.

24. Далее работы учеников:

25

26

27

28

29. Фото с выставкиУчастники студии суми-э с вице консулом Японии по культуре господином Накамура, Валентиной Александровной Калининой — заместителем председателя Общества дружбы «Россия-Япония», Светланой Станиславовной Зезюлиной — заместителем директора по учебной работе

Техника фракталов

Фото из архивов автора

Сразу хочу оговориться по поводу двух предложенных ниже методов: фрактальный рисунок и нейрографика. На мой взгляд различие между ними достаточно условное, в мои задачи не входит проведение сравнительного анализа этих методов, поэтому описываю оба эти метода, чтобы читатель имел возможность сравнить их, взять из них то, что созвучно каждому, а может быть даже объединить их в использовании.

Что такое фрактал?

Авторы метода – психологи Т. 3. Полуяхтова и А. Е. Комов. Они широко известны работами в области оздоровительных систем и биоэнергоинформационных технологий. Методу фрактального рисунка уже более 20 лет.

В чем же суть фрактального рисунка?

Рисунок здесь считается продолжением человека, его малой частью, проекцией. И эта малая часть отражает большое целое – человека.

Глядя на рисунок, можно диагностировать состояние его автора.

Фрактальный рисунок: технология выполнения

Для того чтобы выполнить тестовый рисунок, необходима спокойная обстановка и немного свободного времени (около 1 часа).

Необходимые инструменты:

– набор цветных карандашей, фломастеров и ручек как можно большего количества цветовых оттенков;

– лист плотной бумаги формата А4;

– шариковая ручка черного или темно-синего цвета, в крайнем случае черный тонкий фломастер.

Как рисовать:

1. Лист перед собой расположить по горизонтали.

2. Ручку устанавливаем в любой точке листа.

3. Закрыв глаза, рисуем непрерывную линию, стараясь заполнить как можно большую площадь листа, в течение 45–60 секунд.

4. Линия должна быть четкая и хорошо прочерченная.

5. Скорость движения ручки средняя, без резких росчерков.

6. Рисуем спокойно, с большим количеством пересечений по горизонтали, вертикали и диагонали, выполняя круговые, овальные и любые другие геометрические фигуры и стараясь разнообразить направления линий и свои движения, а также не допуская частых повторов: круговых форм; петлеобразных форм; 8-образных форм; геометрических форм.

Белый фон рисунка необходимо оставить идеально чистым, без помарок, пятен и надписей.

Советы к выполнению тестового рисунка:

• Начало и окончание линии надо обязательно подвести или закруглить к ближайшей точке пересечения. Еще раз подчеркиваем, что линию ведем не резко, со средней скоростью (не очень быстро и не очень медленно). Рука должна двигаться свободно, как бы сама собой. Не изображайте знакомые фигуры (цветы, домики, деревья и др.)

• Соотношение крупных, средних и мелких ячеек на площади рисунка должно быть близким к 1/3, т. е. треть больших, треть средних, треть маленьких.

• Если, открыв глаза, Вы обнаружили, что в рисунке изображено большое количество крупных ячеек, необходимо закрыть глаза и еще некоторое время продолжить рисовать линию, стараясь не выходить за пределы листа.

• При закрашивании необходимо помнить, что соседние ячейки, разделенные линией, нельзя заполнять одним и тем же цветом. Если же ячейки соприкасаются в точке и расположены по диагонали, то можно.

• Ячейки необходимо закрашивать без штрихов, аккуратно и ровно. Самые маленькие ячейки старайтесь закрашивать только ручкой.

• Одним цветом можно закрасить либо одну ячейку, либо некоторое количество ячеек, но не более 10–15. В случае когда в руки попадается карандаш одного и то же цвета, то хотя бы одну ячейку, но закрасить необходимо, после чего карандаш возвращается в общий набор.

• Допускается и рекомендуется использовать при закрашивании одновременно и карандаши, и фломастеры, и цветные шариковые и гелевые ручки.

Фрактальный метод апробирован на многих людях. По их отзывам, результаты просто изумительны, так как с помощью этого метода можно не только четко обозначить проблемы, но и откорректировать их.

Практическое использование фрактального метода значительно улучшает эмоциональное, психологическое и физическое состояние человека. Способствует его духовному росту и развитию творческих возможностей.

Внимательно изучите «ключ». Старайтесь быть объективным при оценке результата. Используйте знание значений теста, чтобы создать серию новых фрактальных рисунков, на этот раз с целью коррекции.

Фото из архивов автора

Картины в японском стиле. Как нарисовать картину в японском стиле?

Японская живопись — одно из древнейших направлений в искусстве. Живопись в Японии появилась в самый древний период истории страны. На гончарных изделиях и прочих предметах быта можно встретить самые простые изображения геометрических фигур и различных узоров. Однако, с приходом в страну китайской культуры, произведения японских художников все более и более стали содержать элементы живописи страны Конфуция.

Одним из самых впечатляющих и колоритных направлений японской живописи является пейзаж. Японские художники не придавали особенного значения реалистичности композиции. Главным для них являлась передача впечатлений от созерцаемого ими величия природы.

Как нарисовать картину в японском стиле?

Японский пейзаж можно изображать обыкновенными акварельными красками. Для закрашивания необходимо использовать больше воды, а для прорисовывания отдельных деталей добавлять больше краски. 

Для того, чтобы приступить к работе, вам понадобится картон или акварельная бумага, простой карандаш, ластик, пастельные мелки и, конечно же, акварель.

• Начните с карандашного наброска. Для этого изобразите контуры будущей картины на листе с помощью простого карандаша. Следите за тем, чтобы лини были очень мягкими и едва заметными. Нажимать на карандаш нужно совсем слегка. Ведь, по японской традиции, рисунок должен быть очень легкий и практически невесомый. Ни в коем случае не прорисовывайте карандашом деталей – это забота тонкой кисти.
• Изобразите на заднем плане далекие горы, пагоды, водоемы, соорудите несколько традиционных японских мостиков.
• При очерчивании силуэтов людей не забудьте учесть особенности их одежды и осанки.
• Для картин в японском духе уже стало привычным наличие на них главного символа этой страны – цветущей сакуры. Вы тоже можете на своем произведении изобразить эту удивительную по красоте вишню с облетающими на ветру лепестками.

• После нанесения карандашного наброска займитесь раскрашиванием картины. Помните, что цвета должны быть невесомыми, воздушными. Для этого необходимо подобрать правильное соотношение воды и краски. Необходимо учитывать способность картона к поглощению воды, а акварели к появлению потеков.
• Для окрашивания фона (например, неба и воды) используйте толстые кисти. Начните этот процесс с крупных деталей, находящихся вверху картины, постепенно спускайтесь вниз, пока не раскрасите всю воду, зелень и детали неба на картине. Затем оставьте рисунок до полного высыхания.

• Теперь  можно переходить к деталям. Возьмите тонкую кисть и начните прорисовывать кроны и стволы деревьев, крыши домов, снежные вершины гор. Не старайтесь прорисовывать каждую деталь вплоть до листков и лепестков. Ваша задача — с помощью нескольких мазков кисти задать направление бутонов и веток. Чтобы получить необходимые оттенки, акварель смешивайте на палитре. Стоит избегать слишком явных, ярких оттенков.
• В одном из уголков картины расположите японские иероглифы. В интернете вы сможете найти множество подходящих для вас и вашего настроения японских стихотворений (хокку). Эти символы рисовать не так просто, как кажется на первый взгляд, поэтому в их изображении лучше потренироваться. Для придания письменам легкого налета давности и некоторой запыленности используйте черную краску, смешанную с синей или коричневой.

Используя пастельные мелки, создайте тени. Они должны располагаться на склонах гор и поверхности воды. Главное — не переусердствовать. Их не должно быть слишком много.

Простая картина в японском стиле

Если у вас не очень много времени, да и желания рисовать обширные пейзажи не т никакого, а вот украсить интерьер японской «штучкой» хотелось бы, то можете воспользоваться следующей методикой.  Нарисуйте густой черной краской ветку дерева. Затем в одноразовую тарелку налейте немного нежно-розовой краски. В краску окуните дно пластиковой бутылки и сделайте отпечатки на бумаге. Дождитесь, пока рисунок высохнет. Таким образом, вы получите замечательную ветку сакуры, не прилагая собственных усилий.

На сегодня японская тематика в интерьере очень актуальна. Это и картины, и декор стен, и мебель в японском стиле, и светильники в японском стиле. 

Японская тематика вносит гармонию и спокойствие в наш бешеный ритм жизни. Следуя законам жанра искусства страны Восходящего солнца, вы сможете почувствовать влияние этой тематики на свою жизнь и душу.

Мастер-класс «Техника японской живописи суми-ё»

Далекая, загадочная Япония — это одна из тем по изобразительному искусству в 7 классе.

Цель: познакомить с особенностью техники японской живописи суми-ё и научить рисовать дикую орхидею.

«Наша жизнь росинка,

Пусть лишь капелька наша жизнь.

И всё же».

Басё.

Я предлагаю погрузиться в мир далёкой загадочной Японии.

Япония — таинственное, почти неизвестное государство. Священная Фудзияма, призматические синтоистские храмы, чайная церемония, гейши, кабуки…Здесь уникально всё- язык, культура, искусство, традиции.

Главная причина, наверное, в том, что японцы смогли найти гармонию во всём.

Искусство Японии самобытно и своеобычно, его философские принципы, эстетическое предпочтение и вкусы отличаются от западных.

На формирование эстетических принципов японского искусства повлияло особое отношение японцев к природе, её красоте с древнейших времён, воспринимавших её, как божественное творение. Японцы ценят только те вещи, которые были изготовлены человеком вручную из «живого материала» (глины, дерева…).

В японском искусстве традиции далёкой древности дошли до наших дней.

Это традиционная национальная одежда (кимоно), веер по сей день остаётся неотъемлемой частью костюма. Оригами стало хобби для всех японских семей.  Открываются школы по изучению искусства икебаны, ни один праздник, чайная церемония не проходят без икебаны.

Особое место занимает каллиграфия и суми-ё.  Суми-ё — это рисование тушью. Особый жанр изобразительного искусства пришел в Японию из Китая, японцы наполнили его своим шармом и внедрили в свою культуру.  Они оценили отсутствие цветовой гаммы и считали, что чёрно- белое изображение требует большего напряжения, сил, вдохновения, чем цветное и приучает к дисциплине.

Суми-ё основана на вдохновении и индивидуальности, сознание должно оставаться чистым, незамутненным. Картина уже существует в вашем сознании, любуйтесь прекрасной картиной и передавайте своё настроение, эмоциональное состояние.

Эта техника базируется на четырёх  мазках: бамбук, хризантема, ветка вишни, орхидея.

Необходимыми материалами является кисточка (фуде), бумага, тушь. Чтобы научиться этой технике надо соблюдать несколько правил: держать кисть строго вертикально и тренировать изменение размера мазка.

Давайте  попробуем нарисовать дикую орхидею.

1. Готовим для работы материалы (разводим тушь и готовим кисть)

2.  Начинаем с основания бутона (кисть строго вертикаль, кончиком кисточки ведём  вверх).

3.  Прорисовка нижних лепестков (начинаем  кончиком кисти, нажим, потянуть, оторвать).

4.  Прорисовка верхних лепестков ( начинаем кончиком кисти, нажим, притянуть, оторвать).

5.  Рисуем пятый лепесток вниз ( начинаем кончиком кисти, нажим, притянуть, оторвать) .

6. Рисуем тычинки( точки кончиком кисти).

7. Прорисовка стебля (кончиком кисточки, кисточку держим вертикально).

8. Листья орхидеи длинные тонкие, колышаться на ветру ( кисть вертикально, кончиком кисточки протягиваем, нажим и плавно отрываем слева на право и наоборот).

Техника суми-ё является естественным спутником японской поэзии. «Горные сумерки. Похитили алые краски. Орхидея». Бусон.

Рефлексия.

(составляем синквейн на тему мастер-класса  «Техника японской живописи суми-ё»).

1. Изящная, таинственная

2. Хочется размышлять, творить, рисовать

3. Приходят мысли о сущности бытия

Спасибо за внимание и творчество!

Художественная школа Кано

Её влияние выходит далеко за пределы Муромати: 300 лет род Кано почти безраздельно царил в японской живописи. Этому немало способствовала поддержка сегуната, официальными художниками которого были представители школы, начиная с основателя – Кано Масанобу (1434–1530). Он разработал собственный оригинальный стиль, взяв за основу суйбокуга и добавив легкую подсветку минеральными красками.

Создателем же фирменного стиля Кано стал сын Масанобу – Мотонобу (1476–1559). Он соединил письмо тушью и использование красок, но самое главное – в его творчестве получила развитие национальная традиция ямато-э. Мотонобу оказался ещё и удачливым предпринимателем: он открыл сеть художественных студий, которая разрасталась год от года.

Внука Монотобу – Эйтоку (1543–1590), можно, пожалуй, считать лучшим мастером школы Кано. Ширмы – неотъемлемый элемент японских интерьеров – в его исполнении стали символом изысканной роскоши Момояма и живописным стандартом на годы вперед. Сложный, тщательно прописанный на золотом фоне пейзаж насыщен множеством тончайших деталей, ускользающих от беглого взгляда, но завораживающих при внимательном рассмотрении.

Последний выдающийся представитель Кано – Сансецу (1589–1651), который работал уже в эпоху Эдо, когда модной стала строгая простота. И хотя он по-прежнему занимался золотыми росписями, славу ему принесли картины, выполненные тушью.

Школа Кано представляет собой цельное явление, несмотря на огромное количество художников, принадлежащих к ней. Тематика картин охватывает все традиционные мотивы – пейзажи, животных, бытовые сценки. Превосходны выполненные мастерами Кано монохромные росписи по шелку, для которых характерно сочетание реалистичного переднего плана и отвлеченного – второго: на нём изображались облака, волны, туман.

В XIX веке, когда Япония перестала быть замкнутой в себе и скрытой от мира, она некоторое время находилась под сильным европейским влиянием. В искусстве это проявилось конкуренцией традиционного и западного стиля. Но эта борьба довольно быстро угасла, и классическая японская живопись снова заняла центральное место в культуре страны.

Японские трафареты | БАТИК и Я

Тема Японии — одна из любимейших в России. Слишком уж загадочна для нас эта страна, поражающая историческим и культурным наследием. Это страна самураев и гейш, драконов и японский журавлей, цветков сакуры, красивейших кимоно и изображения горы Фудзиямы на всех сувенирах.

Попробуйте сами воссоздать «кусочек» страны Восходящего солнца у себя дома при помощи этих японских трафаретов. Декоративное панно как нельзя кстати придется в этом случае, да и кожаную сумочку или шелковую тунику такая роспись украсит.

Все, что вам нужно сделать — скопировать к себе  понравившийся рисунок, распечатать его (можно увеличить) и перенести на ткань. Как это сделать, читайте здесь.

Суми-э — Artrue

История и идеи японского направления.

Искусство Японии

На протяжении полутора десятков веков Япония идет в ногу со временем, развиваясь во всех направлениях. За такой большой период времени японцы создали свою собственную огромную ветвь в изобразительном искусстве. На протяжении всех этих лет на страну оказывали большое влияние ее соседи, в большей степени Китай. Именно оттуда в Японию были ввезены первые образцы живописи и письменности, которые стали копироваться. Но данное заимствование из другой культуры не превратилось в бездушное копирование, а заложило фундамент для собственной неповторимой и удивительной культуры. Но до запада шедевры живописи страны Восходящего Солнца дошли лишь в 19-м столетии, когда Европа пыталась оставить свой след по всему миру.

История Суми-э

Начало данному направлению было положено в XIII веке, когда в Японию прибыли китайские монахи для изучения древней литературы. Они принесли с собой частичку китайской культуры, а именно живопись тушью, которую японцы назвали суми-э, а иногда называли суйбокуга.

На протяжении столетия суми-э практически не имело известности. Настоящий расцвет данного стиля произошел в XIV веке в эпоху Муромати. Данное направление живописи переходит на настоящий уровень и занимает почетное место в живописи. На протяжении не одного века суми-э пользовалось огромной популярностью среди японских художников. В начальный период развития стиля чаще всего художники писали монохромные пейзажи, на которых изображались горы и водоемы. Данные произведения искусства украшали стены дворцов знатных личностей и военачальников.

Самыми яркими представителями суми-э являются Дзёсецу, Тоё Сэссю и Кано Мотонобу. Именно монах Дзёсецу считается отцом стиля суми-э. Его картина «Ловля рыбы тыквой», написанная для военачальника Японии, стала основой для данного направления живописи.

Художники Суми-э

Тоё Сэссю — один из самых выразительных художников направления. Он внес огромный вклад в развитие стиля, оставил после себя богатую коллекцию произведений.

Эпоха Муромати была очень плодотворным периодом в искусстве. В те годы ряды художников активно пополнялись, зачастую ими становились даже самураи. Одним из таких живописцев был Сэссон.

Буря. Сэссон.

Еще одним ярким представителем суми-э был Хосэгава Тохаку, чья картина «Сосны» вывела данный стиль на верхушку популярности.

Сосны. Хосэгава Тохаку.

Технология суми-э

Рисование чернилами берет свои корни еще от элегантной каллиграфии Китая. Мазки, необходимые для написания цифры 1, становятся стволом и ветвями бамбукового дерева. Если вы внимательно посмотрите на китайское слово «лошадь», то увидите ноги, хвост и гриву.

В живописи используются те же основные мазки кисти, что и в каллиграфии, более того они считаются смежными видами искусства. Основные методы рисования кистью лучше всего изучать, практикуя каллиграфию, это позволяет художнику сосредоточиться на мазках кисти, не заботясь о цвете и композиции. Необходимо, чтобы мастера рисования кистью достаточно знали каллиграфию и могли подписать имена и добавить характерные особенности описательной или поэтической каллиграфии их работам.

Художник должен научиться свободно использовать чернила, контролируя при этом мазки кисти. Цель состоит в том, чтобы уловить сущность Ци, духовное начало и жизнь предмета в живописи, пробуждая поэзию природы.

В рисовании кисть удерживается перпендикулярно бумаге, практически под прямым углом к руке, и ее необходимо крепко держать на нужном расстоянии между большим, указательным и средним пальцами. Во время рисования пальцы остаются почти неподвижными, при этом двигается только кисть. Для художников, изучающих западные традиции, это кажется неуклюжим, мягко говоря. Как сказал один мудрый учитель: «Даже если держать кисть таким образом совершенно неудобно, ты привыкнешь к этому». Никакого сочувствия! И, между прочим, он был прав, со временем (а длилось это долго) это уже казалось ему естественным.

Поделиться статьей:

Как нарисовать быстрый пейзаж в японском стиле в технике двойного мазка

Предлагаю вам пошаговую инструкцию, как нарисовать быстрый пейзаж в японском стиле в технике двойного мазка, поверхность — любая, на которой удобно рисовать. В случае декорирования какой-то вещи, нужна будет подготовка поверхности соответствующим способом. За качество фото прошу меня простить — снимала на телефон, при чём не на самый лучший)

Итак, нам нужно:

1. Рабочая поверхность, на которую будем наносить рисунок. В данном случае это простой лист пастельной бумаги синего цвета, но, как я уже писала, поверхность может быть любая подходящая.
2. Акриловые краски, желательно не слишком густые, с хорошей плотностью цвета, хорошо подойдут крастки серии FolkArt (Plaid).
3. Синтетические кисти — плоская, круглая, веерная и тонкие для прорисовки деталей и уточняющих моментов. Номера кистей следует подбирать пропорционально той вещи, с которой мы работаем. Скажем, для миниатюрной шкатулки и панно на стену размером 2х3 м потребуются совершенно разные кисти.
4. Если работаем с твёрдыми поверхностями, такими, как дерево, или загрунтованное стекло, не лишним будет использовать финишный лак, подойдёт любой.

Итак, поехали.

1. Намечаем гладь воды и линию горизонта, движения кисти желательны параллельно краю листа, иначе, как говорят фотографы, горизонт будет завален.

2. При помощи классического приёма «двойной мазок» намечаем линию берега, начиная с дальнего плана и заканчивая передним. Для тех, кто забыл — основной приём техники «двойной мазок» заключается в том, что на плоскую кисть набираются с двух сторон две контрастные краски, после чего делается несколько мажущих движений по палитре, чтобы сгладить резкий переход одной краски в другую.

3. Мягкими движениями круглой кисти намечаем силуэт ствола дерева. Очень хорошо будет смотреться сочетание нескольких оттенков одного цвета и линий разной ширины.

4. При помощи жёсткой веерной кисти  резкими гладящими движениями намечаем крону, сразу прикидывая, какой объём она занимает и какой формы она будет.

5. При помощи тонкой кисти прорисовываем более тонки ветки, уточняем абрис кроны дерева.

6. Добавляем детали и финальные штрихи — луну, блики на воде, отражения, отблеск луны в кроне, траву, птиц, бабочек, медитирующих будд — что захотим:)

Периодизация японского искусства

Как нигде в мире, в Японии история искусства теснейшим образом связана с историей, точнее, с историей правящих династий. Основные периоды развития японской живописи:

• Ямато (VI – VII век);
• Нара (середина VII – VIII век);
• Хэйан (конец VIII – XII век);
• Камакура (конец XII – первая половина XIV
  века);
• Муромати (первая половина XIV – первая половина XVI века);
• Адзути-Момояма (вторая
  половина XVI века);
• Эдо (XVII –
  XIX век);
• Мэйдзи
  (конец XIX – начало XX века);
• современная японская
  живопись.

Каждый из периодов отличается по способу художественного выражения мира, манере письма, но неизменным остаётся преобладание пейзажей: это сквозной мотив искусства Японии. Каждый художник этой страны, от древнейших до современных, исполнен глубокого почитания природы как вечного источника жизни.

Наиболее интересны в художественном плане периоды Ямато, Муромати и Момояма.